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2010年09月14日

「山形詩人」69・70号及び高啓の詩へのコメントへのコメント





1 高啓の最近の作品

 高啓は、「山形詩人」69号(2010年5月)に詩「蒸気機関車がわれらを救いたまう日」、同70号(2010年8月)に詩「女のいない七月」を発表している。
 また、山形県詩人会の会員による『アンソロジー・2010 山形の詩』(2010年9月)に、詩「ラヴ・レタァ」を発表している。


2 現代詩手帖・詩誌月評

 『現代詩手帖』2010年4月号の詩誌月評で、評者の水島英己氏が、「山形詩人」68号(2010年2月)に発表した詩「冬の構造」を取り上げ、紹介と批評を書いてくれた。
 以下にその一部を引用する。

 「意味も描写も明確ななかで、『手を結びながら歩くのは冬の構造である』や、『けれど、知らぬ間にたどり着いたのは危うい視点場なのだ』という暗喩的な表現に苛立ちを覚える人もいるかもしれない。『危うい視点場』というのは、そこからこの二人の、とくに女の側の心的外傷になっているような記憶を想起させる怖れに結びつく何かがお城の下の街に見える場ということであろう。島尾敏雄の小説の世界のそばにいるような気もする。『冬の構造』や『危うい視点場』という表現が必須のそれかどうか? この二人の歩みの個別性と普遍性を媒介するという意味で、この詩にとっては不可欠なことばだと私は考える。この詩に私が惹かれるのは風景が時間的な継起として捉えられている、その見事さにある。」

 「自らの経験的現実を『ことば』で書く詩のあり方として野村(注)と高の二人の詩を挙げた。野村のことばは沈黙を目指している。そこでは現実の事実内容そのものが消えてしまい、『ことばで』で(ママ)書くことの無根拠さをさらけ出す。高のことばは堅固さと精確さを誇ろうとする。しかし、常に事実内容の重大さが、ことばで書くことを無化しようとしている。二人の詩が堪えているのは現実とことばの現代的な関係のあり様である。」
    (引用者注)野村尚志個人誌『季刊 凛』29号の詩「日暮れの弁当」

 この論評に突っ込みを入れようとすればその論点は盛りだくさんだが、まずは限られた月評の紙幅のなかでこのように丁寧に取り上げていただいたことに感謝したい。(ただし、残念なことに、高啓の詩の引用部分に少なくても3箇所の転記ミスがある。)
 ところで、「冬の構造」や「危うい視点場」という言葉は、「暗喩的な表現」なのだろうか。「冬の構造」は抽象語だとはいえるが、暗喩というのとは少し違う。また、「危うい視点場」は、暗喩ではないどころか、抽象語でさえない。なぜなら、作品のなかでそこが物理的(地理的)な視点場であることと、「危うい」のはなぜかということを、まさに水島氏が理解しているような内容を読者が想像できるように、詩行において説明的に記述しているからである。(ちなみに、この区画整理で消えた連れ込みホテルと移転した中央病院のことは、高啓の別の作品にもっと詳しく出てくる。高啓の詩集の読者には、高啓の詩作品は、連作小説みたいに読んでいただけると思う。)
 高啓の詩は、ほんとうは、いくつかの限られた抽象語や暗喩表現に頼ることで「この二人の歩みの個別性と普遍性を媒介する」というような必要を感じない位相で書かれている。
 この作品は、その総体として、この二人にとって個別的な対幻想の世界が、普遍的な時空構造として現れるという世界を描いている。逆にいえば、普遍的な時空構造は、対幻想としては、つねに/すでに、個別的に(というか、むしろ固有なものとして)生起するしかないということだ。
 しかし、こういうことが読者に伝わりにくいので、「冬の構造」という抽象的な表現で、いわば堪え性がなくて馬脚を現すかのようにして、<世界>という観念への、しょうべんくさい導きのことばを挿入してしまったのである。
 もっとも、この月評における水島氏の評価眼は、この作品の勘所のひとつに向けられてもいる。「この詩に私が惹かれるのは風景が時間的な継起として捉えられている、その見事さにある。」という表現で、この作品が、散策の風景を辿ること、つまり情景を映画的に構成していくことで、ふたりの時間意識を描こうとしているところに着目してくれているところである。
 作者としては、だがしかし、この作品が、その志向の結果として、「見事」なものになっているかどうか自信はない。


3 瀬崎祐氏のHP「風都市」関連ブログ

 詩人の瀬崎祐氏が、自らのHP「風都市」の関連ブログ「いただいた詩誌・詩集から」http://blog.goo.ne.jp/tak4088/e/ff48f48ea360754d2d72951c5e3f61a6において、上記の『山形詩人』第70号掲載の「女のいない七月」を取り上げている。
 論評の一部を引用する。

 「感情も感覚もむき出しで、荒々しい。その生理的な部分を容れた作者の肉体がそのまま迫ってくるようで、圧倒され、それゆえに魅了される。巧みなのは、迫ってくるものが肉体そのものであるように見せていて、やはりどこまでも感情であるところだ。」

 「『女とはそんなつながりだったんだ』と気づいたりもして、女が不在であることによってはじめて見えた事柄が、すざまじい(ママ)存在感を放っている。当然のことながら書かれている内容はどこまでもフィクションであるわけだが、書き表したものにここまで生の感情を載せることができることに、感嘆する。」

 上記2つの引用部分の間に作品の最終連が引用されているが、残念なことに転記ミスで最後の2行の前が1行空けられていまっている。実際は最終連に行明けした部分はない。

 さて、このように気を入れて読んでいただいたうえに、このように感嘆していただいて、作者としては恐縮するばかりだが、一言断らせていただけば、高啓はこの作品のどこにも「生の感情」を載せたりしていない。この作品がその総体で表現しようとしているのは、「肉体」やら「感情」やらであるように見えて、じつはむしろ<観念>といったものに近い。

 なお、この「女のいない七月」のなかで、女に向けて「ラヴ・レタァ」という詩を書くという件があるが、その詩が『アンソロジー・2010 山形の詩』に掲載されている同名の作品である。                                                                                                                                                                                                


【余談的な註】
 「山形県詩人会」は、現在存在している団体で、山形県在住の詩人たちの多くが所属している任意団体。
 個人の自由意志による加盟で、会としての思想傾向や組織方針などはない。
 たまに「詩人会議」という団体と混同する人がいるが、組織としてはまったく関わりはない。(山形県詩人会の会員で、県の詩人会議に所属している人はいるかもしれない。)
 また、かつて「山形県詩人協会」という団体が存在し、「県詩賞」という賞を運営していたが、いまの「山形県詩人会」はこの流れを汲むものではない。(まったく無関係というものでもないが・・・)                                                                                                                                                

                                           













  

Posted by 高 啓(こうひらく) at 23:13Comments(0)作品情報

2010年09月11日

「シャガール−ロシア・アヴァンギャルドとの出会い」展







 東京藝術大学美術館で「シャガール−ロシア・アヴァンギャルドとの出会い〜交錯する夢と前衛〜」展(2010年7月3日〜10月11日)を観た。
 この展覧会は、フランスのジョルジュ・ポンピドー国立芸術文化センターが所蔵する作品で、マルク・シャガール(1887‐1985)の制作人生を追いながら、ロシア美術史にシャガールを位置づけようとする意図をもって企画されている。
 とくに「ロシア・アヴァンギャルド」との“出会い”を、ナターリャ・ゴンチャローワ(1881-1962)、ミハイル・ラリオーロフ(1881-1964)らの作品とともに展示することで表現しようとしている点が特色である。
 企画者は、ポンピドー国立芸術文化センターのキュレーター、アンゲラ・ランプ氏。

 時間の余裕がなくて、じっくり鑑賞することができなかったが、感じたことを以下に記す。
 なお、このブログでは、ロシア・アヴァンギャルドに関わる美術展について、過去に2回ほど記事を掲載しているので、そちらも併せて読んでいただければと思う。
 ※ 「青春のロシア・アヴァンギャルド〜シャガールからマレーヴィチまで〜」(2008年6月21日〜8月17日、Bunkamuraザ・ミュージアム)http://ch05748.kitaguni.tv/e581526.html
 ※ 「ロシアの夢 1917〜1937」(2010年4月3日〜5月9日、山形美術館)http://ch05748.kitaguni.tv/e1661560.html


 第1章 ロシアのネオ・プリミティヴィズム
 この章では、シャガールの初期ともいうべき20代前半の作品を、ナターリャ・ゴンチャローワやミハイル・ラリオーロフの1911〜1912年の作品と並べて展示している。
 シャガールは、ゴンチャローワやラリオーロフらのネオ・プリミティヴィズムの影響を受けたと言われるが、この時期の作品には、その影響がまだそれほど顕著には現れていないように見える。
 シャガールの作品で印象的なのは「死者」(1910‐1911)。全体として暗く重い色調で、屋根の上にバイオリン弾き、街の通りに死体、その脇には箒かスコップのようなものを持った男、踊るようにあるいは嘆き悲しむように両手を上げた女の姿が描かれている。それぞれの人物の顔は描かれていない。この作品では、すでに遠近法は倒置されているが、人物や動物は、まだ宙に浮かんではいない。
 ゴンチャローワの作品は、フォービズムやキュビズムの影響を受け、ロシアの伝統的なイコンやルボーク(民族版画)のモチーフを受け継いで、ネオ・プリミティヴィズムを体現しつつあった。「酒飲みたち」(1911)や「婦人と騎手たち」(1911‐1912頃)では、ロシア的な題材がフォービズム風に描かれている。
 また、組作品「刈入れ」(全9面)のうちの1面である「葡萄を搾る足」(1911)や「孔雀」(1911)では、題材がかなりデザイン化され、それゆえ彼女が抽象画へ向かう過程が看て取れる
 ラリオーロフの作品では、「春」(1912)が目を惹く。
 彼は、1912年ころから、キュビズムや未来派に立脚した「光線主義(レイヨニスム)」を創始していくと解説にあるが、この「春」に描かれた海坊主のような女性の上半身像は「光線主義」という感じではない。殴り書きされたような胸(円が描いてあるだけ)や耳飾りが印象的で、なんだかアフリカ的?あるいは棟方志功的?というような感じを受ける。
 光線主義は、物体の放つ放射状の光線に基づいて図像を分解し、あらたな抽象的形態を生み出そうとする手法。これは、本美術展の「第2章 形と光−ロシアの芸術家たちとキュビズム」に展示された彼の「女性の肖像」(1911‐1912)あたりから現れてくる。この作品では、女性の上半身(作品「春」とはまったく異なる西洋風の痩せた女性)が描かれているが、その頭部が、数学で言うところの“補助線”を引いて輪郭を構成するような手法で形象化されている。
 この線形の光線で題材を表現する手法は、1913年の「タトリンの肖像」でかなり明確になり、抽象度が高くなった1913‐1914年の「晴れた日」で完成するようにみえる。



 第2章 形と光−ロシアの芸術家たちとキュビズム
 この章で印象的なのは、なんと言ってもシャガールの「ロシアとロバとその他のものに」(1911)である。
 民族的な図柄、キュビズムの造形、そしてフォービズムの色づかいから、鮮烈な印象を受ける。
 シャガール作品の特徴である遠近法の倒置と宙に浮かぶ人物や動物の構図も、ここで明確に打ち出されている。
 牛の乳を搾ろうとしてバケツを持った女の首が切り離され宙に飛んでいるのは、言語における比喩的表現の形象化で、なにか夢想に動かされている様子を表したものだというような解説を、どこかで読んだ記憶がある。
 この牛に使われている赤色・・・この赤色がどんなものか、写真ではなく実物を視て感じとる価値がある。
 この作品はシャガールのパリ時代の傑作と言われているが、まさにここにおいて、シャガールは自ら<ロシア・アヴァンギャルド>を体現していると看做しうる。

 この章でこの他に印象的だったのは、日本ではあまり聞かないキュビズムの彫刻家の作品だった。アレクサンドル・アルキペンコ「ドレープをまとった女性」(1911・ブロンズ)、ジャック・リプシッツ「ギターを持つ船乗り」(1914‐1915・古色をつけたブロンズ)などである。

 第3章 ロシアへの帰郷
 1917年、ロシア革命(10月革命)が起こる。1918年、シャガールは故郷のヴィテブスクに美術学校を設立し、その校長となることを依頼され、これを受ける。彼はモスクワやペトログラード(サンクト・ペテルブルグ)から芸術家を招聘する。この中に、カジミール・マレーヴィチ(1878-1935)やジャン・プーニー(1892-1956)ら、ロシア・アヴァンギャルドの旗手がいた。
 本美術展の公式HPの解説には「1919年10月には、シャガールはカジミール・マレーヴィチを招来したが、マレーヴィチのカリスマ性に魅了されて学生たちはシャガールから離れた。美術学校は、具象的表現を消滅させ、幾何学的な淡色を通じて『無対象の感覚』を与える『スプレマティズム』を追究する実験室となった。(中略)1920年、シャガールは静かに故郷を去り、モスクワへと旅立った。」とある。
 ただし、ネット上には、シャガールがマレーヴィチと対立して美術学校を辞したかのように書かれた年譜もあり、“静かに故郷を去”ったかどうかは定かではない。
 ところで、前記の解説も指摘しているが、面白いのは、この章に展示されているシャガールの「立体派の風景」(1918‐1919)という作品である。これはまるでマレーヴィチの作品だ。
 シャガールと“ミスター・ロシア・アヴァンギャルド”とでも言うべきマレーヴィチの関係は如何なるものだったのか、興味が湧くところだ。

 なお、この章には、ジャン・プーニーの作品、すなわち半立体的素材の組み合わせで構成される「コンポジション」と名づけられた作品(アンサンブラージュ)がいくつか展示されている。また、マレーヴィチが1920年代に制作した「シュプレマティスム・アーキテクトン」という巨大建築物の模型を、1989年にポール・ペダーセンが複製した作品も展示されている。
 これらは、一見しただけでは、とうてい面白い作品とはいえない。とくにロシア・アヴァンギャルドの建築デザイン作品をある程度纏めて観ていないと、どこか意義深いのか理解しづらいと思われる。(本ブログ「ロシアの夢」展の項を参照されたい。)
また、ロシア・アヴァンギャルドを代表するもうひとりの雄、ヴァシーリー・カンディンスキーの作品も展示されているが、ここにある作品たちは具象的な風景画であり、カンディンスキーのアヴァンギャルドたる面目を見て取ることができる筋合いのものではない。
 この美術展で展示されている僅かな前衛的作品をだけを観て、革命前後のロシア・アヴァンギャルドへのイメージを抱き、それとシャガールの相違・対立の理由を想像するのでは、なんとも貧相な話になりそうである。
 シャガールとロシア・アヴァンギャルドの“出会い”・・・それを表現することが、この企画展が「野心的」を自称する根拠である。たしかに、“出会い”については比較的よく提示されているのだろうが、では、シャガールがロシア・アヴァンギャルドの担い手たちと“別れ”たようにみえることへの言及(そしてその事情の追究)は、至極不十分なものに止まっているという印象を受ける。
 ・・・おっと、こんなことを美術展(を企画するキュレーター)に求めるのは無理な注文だろうか。


 第4章 シャガール独自の世界へ
 この章では、シャガールの代表的な作品、その大作をいくつか観ることができる。
 もっとも、ここに展示されているのは、1930年代後半以降、とくに40年代以降、パリからアメリカへ亡命した後の作品であり、ちょうど1920年から30年代半ばくらいまで10〜15年ほどの間の作品が含まれていない。

 じぶんの印象に残った作品は、「赤い馬」(1938‐1944)、「虹」(1967)、「イカルスの墜落」(1974/1977)などである。
 記憶によれば、「赤い馬」の赤は、あの「ロシアとロバとその他のものに」(1911)の牛の赤とは違っていたように思う。
 「虹」は、その地がやや朱色味を帯びた赤で塗りこめられ、そこに白い帯のような虹が描かれている。この赤の地が観るものの神経を逆なでするので、シャガール作品としては珍しく“喉にひっかかる”という印象を受けた。80歳の作品であるが、枯れているという感じがまったくしない。この作品が制作された時代の影響であろうか、メルヘンチックなシャガールではない。名画でないところもいい。
 晩年の代表作と言われる「イカルスの墜落」は、これまでも印刷物などで視た憶えがあったが、やはり実物から受ける印象は全く異なっていた。
 画面の地は全体として白い印象で、しかもそこに描かれた人々は、想像していたより淡い色づかいで構成され、全体として“光”を表現しようとしているようにみえる。その筆致の迫力の低度は、いわば作者の老いが染み出してきたもののようにも思え、またシャガールの絵画の構図としては異例で、まともすぎる(遠近法の倒置も目立たないし、墜落しつつあるイカルスを除いて、宙空に浮かんでいる動物や人物は存在しない)のではあるが、そのどこかしら枯れた筆致(あるいは、断念した筆致)には、どことなく惹き付けられる。
 
 第5章 歌劇「魔笛」の舞台美術
 1964年ニューヨークのメトロポリタン歌劇場は、その杮落とし上演の歌劇「魔笛」の舞台美術と衣装のデザインをシャガールに発注する。その注文に応えて制作されたデザイン画が、この章の展示物である。
 夜の女王、タミーノ、パミーナ、パパゲーノなどの登場人物の衣装デザインは、如何にもシャガール的で目を引くが、やや距離をとって眺めると、今なら美大生や服飾デザイン専門学校の生徒でも描きそうな感じがしてしまう。
 このなかで比較的面白かったのは、「動物たちのバレエ」と題された、まさに“シャガール風「鳥獣戯画」”という感じで描かれた動物たちのキャラの絵だった。
 ところで、この章には、実際に制作された舞台美術と衣装を用いて上演されたときの舞台写真も展示されている。公演は1966年ころだったようだが、この舞台写真は残念ながら白黒だった・・・カラー写真を見て、デザイン画と比較検証してみたいものだと思った。

 この美術展に展示されている1910年代から〜1960年代までの作品からは、想像していた以上にシャガールのダイナミックな力動性が感じられた。観る価値のある企画だと思う。                      (了)                                                                                                                                                                                  



  

Posted by 高 啓(こうひらく) at 10:17Comments(0)美術展